Art vu : 3 août

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(Espace du projet artistique Blue Oyster)

« Osmologies » présente de multiples pistes d'interprétation : non seulement une référence littérale à l'étude des odeurs, cette exposition nous invite à considérer la complexité de la perception et de l'interprétation lorsqu'un objet d'art est constitué d'une odeur.

Burzynska a réalisé une série de portraits parfumés. Le processus de fabrication impliquait des entretiens d'histoire orale et la distillation des impressions de ces expériences dans des histoires olfactives ou des objets olfactifs. Formulées dans le laboratoire/atelier de l'artiste, les senteurs étaient ensuite hébergées dans des objets ou réceptacles associés. Résistantes au confinement mais très présentes physiquement, les œuvres dialoguent et se combinent dans l'espace de la galerie.

Les odeurs sont des marqueurs perceptuels qui peuvent définir des moments et des relations avec les choses du monde. La nature de la compréhension de quelqu'un par l'odorat est considérée de cette manière, mais l'expérience incarnée du spectateur par rapport à l'œuvre est également éloignée des histoires elles-mêmes.

Cette exposition est générative dans la mesure où elle offre l'occasion de réfléchir plus largement aux associations d'odeurs. La notion de bonne ou de mauvaise odeur est remise en question lorsque l'on réfléchit aux éléments subjectifs, objectifs, culturels ou biologiques de l'odorat. Les odeurs elles-mêmes sont familières et étranges, sans aucune association identifiable avec les choses du monde. Ils sont médiatisés par l'artiste et leurs qualités allusives suscitent réellement l'émerveillement et la curiosité.

(Galerie Olga)

La définition de l’absurde implique un manque de sens, une contradiction, un paradoxe et le sentiment qu’il n’y a aucun lien logique entre des choses données, nous invitant à les regarder différemment. Dans graphite, Madill a retravaillé les tensions de cette notion dans des moments documentés du XIXe siècle. L'exposition de 1889 sur la Nouvelle-Zélande et les mers du Sud et les terrasses roses et blanches (Te Tarata et Te Otukapuarangi) en sont des exemples frappants.

Madill s'intéresse depuis longtemps aux éphémères historiques et à la photographie. Il génère du contenu pour des images composées avec imagination qui perturbent les interprétations simples des histoires documentées. Ainsi, les dessins parlent et parlent encore ; à plusieurs reprises, j'ai ressenti une réaction retardée à un élément étrange après avoir initialement échoué à le remarquer.

D’une certaine manière, l’absurde postule qu’il ne nous est pas possible de comprendre la réalité. Ces œuvres interrogent alors notre capacité à comprendre l’histoire : ce qui s’est réellement passé à l’époque et ce qui ne peut qu’être imaginé.

Madill joue délibérément avec l'intention et le résultat, la subjectivité et l'objectivité, et entre le réel et l'imaginé. Il semble y avoir une liberté intuitive dans le processus de création. Les dessins ont alors de l'espace pour être eux-mêmes et ils ont un sens de l'humour.

(Espace de projet de nombreuses étoiles)

« Matatuhi ? Mauri Ora ! est généreux, dynamique et accessible. Les gravures présentées par Tahata et Kitson représentent plusieurs séries ou projets, mais même s'il existe une grande variété en termes de sujets, une cohésion globale est obtenue. La palette de couleurs est audacieuse : des bleus riches, des rouges vibrants et des verts chauds apparaissent dans l’ensemble des œuvres. Pour les deux artistes, la vie whānau est considérée comme un point de départ commun pour leurs pratiques.

Tahata a tendance à travailler avec la famille de la gravure en taille-douce. L'artiste fait référence aux valeurs maories, à l'aroha et à la compassion comme principes directeurs de sa pratique : certaines des estampes exposées, par exemple, sont étiquetées comme faisant partie d'une « série mana taiao, en réponse au cyclone Gabrielle ». Dans d'autres œuvres, Tahata s'inspire de styles de sculpture spécifiques, par exemple de l'école de sculpture d'Iwirakau, et intègre de manière ludique des éléments dans des décors contemporains comme le portrait de son fils.

Kitson travaille sur tous les supports imprimés : il existe des études détaillées de la nature, comme Kawakawa (2023) en sériographie/monographie et des linogravures emblématiques ou stylisées, comme Tohoraha (2021). L'artiste s'inspire du te ao Māori et de la flore et de la faune d'Aotearoa. Une gravure sur bois, He Pātiki Pounamu (2022 ; reproduite ici) est l'une des plus grandes œuvres de Kitson. La caractérisation de cette plie verte terreuse est magnifiquement animée.